El problema, o quizás no haya ningún problema en realidad, es que el tipo es un gran músico. Belus es una muestra impecable del lado más hipnótico del black metal nórdico. Es agobiante, cansador, repetitivo… todos adjetivos que deberían ser negativos pero ya sabés que el arte está para hacerte sentir mal la mayoría de las veces, en especial si se busca lo que evidentemente este disco busca. Una pared de guitarras, una batería a la carrera, la voz de Vikernes fiel a la tradición del black. Pequeñas, cortas melodías que van estructurando cada tema y avanzan con lentitud hacia el desastre. Belus es uno de los discos de black más concisos que he escuchado. Prestale especial atención a “Glemselens Elv” y a “Keilohesten”.

Durante los últimos años vengo escuchando unos cuantos géneros musicales pero definitivamente no mucho punk, salvo Sex Pistols cada tanto, porque Nevermind The Bollocks me sigue pareciendo una genialidad irrepetible. Pero Antiworld es un asunto aparte que merece atención. Son un 80% punk y un 20% gothrock, para intentar describir su fórmula. Se los nota conscientemente ridículos, es decir que cuando ponen cara de malos en realidad no se la creen y se cagan de la risa. Encontraron un perfecto balance para que la deliciosa mugre del punk suene medianamente bien, tocan rápido, meten riffs contagiosos y originales. La extraña señora que canta tiene la voz perfecta para estas canciones, no se muy bien por qué pero la escuchás y no hay manera de reemplazarla. Still Outcast es el segundo disco (el primero, Comedy Of Terrors, también vale la pena) y es directamente brillante, porque logran exactamente lo que quieren: pequeñas descargas punk melódicas, ruidosas y pegadizas (porque vieron que en realidad el punk siempre fue muy melódico, aunque a uno le cueste recordarlo a veces). Hay algo a la vez nostálgico y actual en Antiworld. Uno siente que ya conoce todo esto hace mil años pero todavía suena vigente y necesario.

Y su voz. A Joss Stone le hubiera sido suficiente, es más, le hubiera sobrado con seguir cantando igual que a los 16 años durante toda su carrera. Pero, por todos los santos dioses, ahora canta increíblemente mejor. Su caudal de voz está más desatado, sus matices son más profundos, sus quiebres son más exquisitos. Del mismo modo que hace 8 años no se podía creer que tuviera sólo 16, ahora no se puede creer que tenga sólo 24. Asumo que la producción de Dave Stewart la ubicó mucho en su lugar, porque Joss creció mucho más que lo que el calendario indicaría. Las canciones de LP1 van de aceptables a excelentes, pero ella siempre es magistral, brilla sobre cualquier cosa, su voz viste cualquier melodía y la exprime, le saca lo mejor. Todo se centra en ella, la producción está en función de ella y todos agradecemos por poder escucharla cantar.

Joss Stone tiene un talento impactante, es una de las mejores cantantes de nuestros tiempos. Este disco puede no ser inolvidable, pero ella sí lo es.

(No hay reproductor para este disco, por algún motivo que supongo legal, sus canciones no están en Grooveshark).

Hacía mucho que no encontraba un disco de pop tan exquisito. Un Futuro Brillante es pura belleza, melodías delicadas, originales, tiene un tono de triste melancolía que se desenvuelve con enérgica alegría, una extraña combinación de depresión y euforia. Mi Pequeña Muerte entrega 10 canciones, perlitas de inspiración, a través de un experto collage de arreglos evocativos, sintetizadores vintage, pop eléctrico, surfer rock, cambios de ritmo, de lágrimas y de felicidad.

Un Futuro Brillante abre con Blues de la Mente, una canción extraña porque, más allá de las referencias reconocibles en el sonido, el estado de ánimo es difícil de determinar. Hay una guitarra hiriente que se sube a la cima del sonido y grita su melodía sobre un ritmo orgánico y pequeños arreglos que definen la obsesión con la que Mi Pequeña Muerte construye su música con capas y capas de manipulación sonora. La letra suena solemne pero a la vez juguetona: no creo que muchas bandas puedan cantar “Bom, bom, bom, no hay castigo peor que la mente si no cesa. Bom, bom, bom, no le temo al amor, ni al camino, ni a las huellas. Bom, bom, bom, yo le temo a la voz de la mente, si regresa.” y obtener la gloria. ¿Cómo lo logran? Pues con talento, mucho. La canción termina diciendo “Vi que era pura, era pura belleza la calma”. De algún modo cada frase de Un Futuro Brillante sirve perfectamente para describir lo que está sonando.

Creo que nunca escuchaste nada como Mi Pequeña Muerte. Extraños, brillantes, apasionantes.

No pude encontrar este disco en Grooveshark, pero los pibes de MPM, para festejar sus 10 años, decidieron regalar sus tres discos. Bajalos de www.mipequeniamuerte.com.ar. Un gesto que merece ir a comprarles todos los discos.

¡Bajátelo ahora!

Bajátelo ya.

¡Bajátelo!

Increíblemente es la primera vez que agrego un disco de Slowdive. Una cuenta pendiente supongo, porque son una clave en mi historia musical. Mi segunda etapa dark por decirlo de algún modo. Luego de Joy Division y The Cure en los 80s, en los 90s fue Slowdive. Es que eran irresistibles: partiendo de la estética típica del shoegazing, los Slowdive crearon un universo de sonido hipnótico, canciones de cuna para que creas que te estás durmiendo en el cielo cuando en realidad es el infierno. El sonido de Slowdive era el Diablo, el ángel renegado: se hace pasar por luz pero es en realidad oscuridad. Los efectos de cámara, las voces etéreas, las guitarras pasadas por una procesadora y convertidas en crema untable con una generosa porción de ácido, las hermosas melodías, la tristeza absoluta, drenada de esperanzas. Eso era Slowdive, una de las bandas más especiales y perfectas que haya existido. No es posible hacer mejor lo que ellos querían hacer, simplemente no se puede.

El disco de Slowdive que más escuché fue el segundo, Souvlaki, una exquisitez absoluta. Y seguramente en algún momento lo comentaré acá, pero ahora quiero empezar por lo más difícil. Pygmalion es el tercer y último disco de Slowdive. Una apuesta extrema que les salió mal desde lo comercial pero genialmente bien desde lo artístico. Vaya uno a saber por qué, después de este disco la banda dejó de existir. Poéticamente se puede suponer que después de Pygmalion ya no había nada: Slowdive había dicho todo lo que tenía para decir. Después de conseguir el shoegazing etéreo y dreamy perfecto en Just For A Day y Souvlaki, lo que hicieron en Pygmalion fue… cómo decirlo… diseccionarlo hasta encontrar el núcleo. Destriparon las melodías y el sonido, los estudiaron como científicos y con sólo algunos pedacitos en las manos dijeron “esto es lo que importa”. Y lo tocaron, lo largaron encima de un disco y el resultado es el colmo de la perfección porque se trata de una perfección escasa, lo mínimo posible para que nada, nada sobre. Claro, estoy hablando del viejo y querido minimalismo, pero en este caso es muy shockeante porque ya habíamos escuchado la versión pomposa y grandilocuente de Slowdive y ahora esto, la desnudez absoluta, la repetición, el hartazgo, Pygmalion es tan monótono que asusta. Al mismo tiempo, superado el primer susto, se convierte en una de las experiencias musicales más gratificantes.

Supongo que no conviene que, si nunca escuchaste Slowdive, empieces por Pygmalion. Es demasiado duro y además es la culminación perfecta de su música. Si querés escucharlos, andá en orden. Primero Just For A Day, luego Souvlaki y finalmente Pygmalion. Este último, muchas, muchas veces, hasta que crezca en tus oídos y su núcleo pequeño y aparentemente empobrecido logre desplegar toda su belleza.

Recuerdo que, hace muchos años, cuando empecé el sitio, también me puse a recomendar películas. Sigo viendo y amo el cine, pero no prosperó el escribir sobre eso, supongo que no tengo mucho para decir al respecto y prefiero ser un espectador silencioso. También es probable que mi interés de escribir acerca de tecnología corra el mismo destino que el de las películas. Pero vale la pena intentarlo: para abandonarlo siempre hay tiempo.

Durante los últimos 20 años, cada vez que tuve que elegir una sola banda para ver en vivo, siempre elegí a los Pixies. No sólo son fundamentales para la historia del rock, no sólo son atemporales, incomparables e irrepetibles… también son una de las mejores bandas en vivo de la historia. Bastaba ver cualquiera de sus recitales de la era original, o los del regreso de estos últimos años, para morir de envidia por todos los que estuvieron ahí viéndolos, siendo masacrados por ese bombardeo de ruido, ingenio, delirio y belleza.

Los Pixies son la gran banda de rock de la historia. Se suben al escenario vestidos igual que yo me visto para ir a comprar tomates: remera o camisa común, jean y zapatillas. Flacos antes, gordos y pelados ahora, siempre carecieron de toda imagen o anti-imagen. No tienen un solo cliché rockero, se paran en un escenario despojado, con sus aspectos indistinguibles de cualquier mortal. Y entonces, sólo queda la música.

Adoré a todas y cada una de las personas que estuvieron ahí hace unas horas. Vi a muchos muy emocionados, tanto como yo. Todos tranquilos, moviendo los pies y las manos, haciendo mímica de las letras. Ojos exaltados que gritaban “por fin”. Me fascinó ver el Luna Park explotando, los pogueros del medio del campo, el loco que fue volteado por el de seguridad cuando se lanzó a la carrera por el escenario, los gritones de la popular y los vejetes lloriqueantes de las plateas. Pendejos exaltados y adultos panzones y de poco pelo, todos sabiendo que estaban presenciando algo extraordinario.

Los Pixies estuvieron en Argentina y nos hicieron felices. Señores, yo vi a los Pixies. Y no lo puedo creer.

Además, los Interpol tienen la habilidad de evitar recrear un sonido antiguo para, en cambio, ser parte de él. Por eso, escucharlos no es recordar viejos tiempos sino simplemente continuarlos, y de la mejor manera. Por ejemplo, las letras no son frescos esquizofrénicos acerca de la pérdida de la esperanza sino íntimas historias amorosas, que en principio parecen pensadas para sonar de otro modo y que sin embargo, en la garganta de Banks, adquieren la contundencia de la absoluta naturalidad.

Turn On The Bright Lights, Antics, Our Love To Admire y ahora Interpol. Cuatro discos hermosos, perfectos. No se si Interpol es una banda para cualquiera, porque tienen un estilo muy definido y ecléctico. Pero si sos una de esas personas a las que esta música lo puede, sabés perfectamente el placer que da el escucharlos.

Esta vez, Allison Goldfrapp y compañía retoman su sonido más dance de mediados de carrera y lo pintarrajean por encima con baldes de pintura multicolor, haciendo canciones que pondrían orgullosos a Bjorn y Benny. Head First es un rescate triunfal de la magia de aquella música que hizo bailar y llorar a un par de generaciones y más. Pero también es Goldfrapp, porque la exquisitez del duo sigue reinando y la voz de Allison sigue sonando como si cubriera todo el planeta Tierra en una bonita fiesta mundial. Me imagino personas de todos los países escuchando canciones como Rocket, Alive o I Wanna Life al mismo tiempo y sonriendo, simplemente sonriendo y moviendo los piecitos. Así de cursi y hermoso es Head First.

Lo primero que uno se encuentra con Goldfrapp es la sorpresa, porque cada disco es sustancialmente distinto al anterior. Felt Mountain no tiene nada que ver con Head First, son completamente distintos, pero igualmente brillantes. Este disco es un exquisito viaje por paisajes musicales que suenan a banda de sonido de misteriosas películas románticas o policiales negros de alguna época dorada del cine. Tiene un poco de la última camada del trip hop de Bristol quizás, pero es básicamente atemporal. Allison Goldfrapp canta cual deliciosa mujer de shows nocturnos, vestido ajustado y piano que ha bebido. Excepto que no hay piano sino delicada electrónica que suena tan nostálgica como 88 cuerdas martilladas.

Una maravilla para escuchar cuando todos se fueron a dormir, o con alguien más que no tenga ganas de dormir.

Viejos, pelados y gordos: siguen siendo insuperables.

]]> http://mikele.org/musica/comentarios/llegan-los-pixies-a-argentina/feed/ 2 http://mikele.org/musica/comentarios/vamos-todavia/ http://mikele.org/musica/comentarios/vamos-todavia/#comments Wed, 30 Jun 2010 08:32:27 +0000 Mikele http://mikele.org/?p=1471 Me quedan unas 100 tapitas por subir… me tiene podrido eh. Pero si no la hago completa, no la hago.

Las canciones de The Family Jewels son juguetonas y fascinantes. A las joyitas como “Are you satisfied?”, “I am not a robot”, “Mogwli’s road” y “Obsessions” se le agregan exquisiteces como “Rootless” y “Numb”, con arreglos vocales angelicales y melodías indestructibles.

Marina Diamandis tiene sólo 24 años y mucha sed de componer y cantar. Se nota en cada momento esa urgencia ineludible que tienen los artistas jóvenes, talentosos e inspirados. En su primer disco, Marina logra llegar muy lejos y aún así queda la sensación de que en el futuro, con algunas cosas más maduras y pulidas, el impacto emocional que puede llegar a generar sea directamente demoledor. Ella, realidad y promesa en partes iguales. Este disco, hermoso y brillante como ella.

Es una diva pop yanqui pero no hace nada que se parezca al rap, lo suyo es europop, italo-dance y pop ochentoso.
Saca mucho de Madonna pero no se conforma con eso, sus productos terminan siendo propios.
Canta infinitamente mejor que Madonna.
Le gusta provocar, de hecho lo hace todo el tiempo, pero le sale bien.
Es hermosa y calienta sin ser una diosa ni tener tetas plásticas.
Algunas de sus canciones suenan como una mezcla de ABBA y Ace Of Base (escuchen “Alejandro”).
Hace videos quilomberos, ligeramente chocantes, en los que mezcla sexo, violencia, sangre, sadomasoquismo, asesinatos y mujeres malvadas. Y esa mezcla se potencia aún más porque junto a todo eso hay canciones pegadizas y lindas, que chocan contra las imágenes de un modo grotesco.
Se pone bikinis pequeñas y baila con cara de que no va a parar hasta que te arrodilles y le pases la lengua por los piés (lo cual yo haría sin dudar).
Es la dueña de las mejores canciones que los repetitivos y mediocres charts tienen para ofrecer.
Sus canciones tienen la maestría de la sencillez del pop puro, que de algún modo se te pega y te hace cantar.

Si, me encanta Lady Gaga.

Desde hace un tiempo me puse a experimentar con WordPress. No soy muy amante de los sistemas prearmados, por más customización que admitan, porque a decir verdad siempre me hacen sentir limitado. De pronto me surge una idea y plasmarla sobre un framework es muchas veces más hinchapelotas que codearlo uno mismo, porque hay que atenerse a convenciones elegidas por otro, etc. Pero, como laburo programando, WordPress es un asunto que surge cada tanto, así que me decidí a investigarlo de una vez por todas.

Obviamente, un setup de WordPress por default no me iba a servir de mucho, así que me puse a programar mi template, widgets y plugins. Todo con el fin de imitar lo que antes había hecho manualmente, y mejorarlo de ser posible, claro. Y encontré que WordPress es bastante simpático. Hay cosas que me resultan algo idiotas como el famoso Loop (denme un objeto con propiedades y métodos, por favor!) y otras que vienen bien, en especial el sistema de categorías y tags y el muy práctico sistema de administración de contenidos.

En resumen, primero logré sacar una réplica de mikele.org en WordPress y luego me puse a aprovechar algunas cosas que con WordPress son simples y que de otro modo requieren programar bastante.

Importar la base fue medio jodido… tuve que programar un “conversor” porque mi base original tenía varias tablas relacionadas. Perdí algunas cosas, como los años de los discos y las imágenes. Lo de los años no importa, pero las imágenes si, así que estoy todavía cargando las tapas de los 250 y pico de discos que tengo comentados, una a una, a mano. Otro tema son los comentarios posteados, que no son muchos pero tengo que pasarlos a manopla.

Así que, de ahora en más y hasta que decida lo contrario, mikele.org corre sobre WordPress. La copia del original está bien guardada, por si acaso.

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Los últimos 10 discos recomendados fueron…

Pitty es una morocha hermosa, rea, punky, loquita y me re calienta. Y además, su música te rompe el orto a fuerza de descargas sonoras implacables. Un detalle curioso es que me hace acordar directamente a Panza, por su clima tan eléctrico, metalero y jazzero en partes iguales.

Lo atractivo es que sobre ese despliegue sonoro, Pitty no deja nunca de cantar con dulzura. Una dulzura amenazante por cierto, pero nunca necesita elevar demasiado la voz para dejar en claro que la que decide es ella. Impactante. Escuchá el riff de “Anacrónico” y preparate a caerte de culo.

Lo que puedo decir es que la potencia de su voz me resulta bastante impresionante. Quizás en Francia haya quienes estén podridos de Hallyday, algo inevitable para artistas de una carrera tan larga. Pero el hecho es que escuchar a un tipo de 66 años cantar con semejante fuerza y frescura me resulta totalmente disfrutable.

No es para nada la música que me suele gustar, sin embargo semejante voz y algunas canciones realmente buenas hacen que sea un artista que no se puede pasar por alto.

“Heart” tiene algunos buenos momentos y algunos excelentes. Se me ocurren dos en particular, el disco abre con “Vortexes”, un clásico Elisa al estilo “Labyrinth” de su primer disco. Pop muy para arriba, con una melodía impecable, que automáticamente te queda grabada y empezás a cantarla. Y luego un fantástico cover de “Mad World” de Tears for Fears. Está claro que “Mad World” es una canción indestructible, es tan fuerte que no parece haber manera de hacerla mal. Orzábal compuso una joya eterna y Elisa hace con ella algo raro y brillante: un cover doble. Empieza con electrónica minimalista que me hace acordar a los primeros sintetizadores de la década del 60, y ella cantando con delicadeza. Y de pronto estalla en un crescendo acústico y eléctrico y Elisa que termina casi gritando. Una última palabra acerca de “Mad World”, escuchen la versión que Michael Andrews y Gary Jules hicieron para la película “Donnie Darko” y ya no quedarán dudas de la grandeza de esa canción.

Elisa me sigue pareciendo brillante. Y a veces no se muy bien describir el por qué. Es obvio que canta genial, que compone buenas canciones y que tiene un excelente oído para los arreglos musicales. Pero es algo más, que no puedo especificar, lo que me hace amarla tanto. Es un extra, algo que transmite, que me emociona particularmente. En ese sentido, “Heart” es excelente. Es mucho más rico de lo que parece en un principio y las canciones hay que aprenderlas y descubrirlas de a poco.

Bat For Lashes es en realidad un proyecto solista, porque más allá de los músicos que la acompañan, se trata de algo totalmente personal. La voz de Natasha es hermosa y me quedo cortísimo. Y sus canciones, cada una de ellas una obra particular de mezcla de géneros existentes y no existentes, son directamente impactantes. Además, buscá algunos videos y mirala. No sólo es hermosa, también está bastante loca y eso se agradece. Natasha es bella, cachivachera, mitad cantante y mitad actriz, y tiene para que escuches algunas de las más intrigantes piezas musicales de los últimos tiempos.

Voy a hacer algunos comentarios express para salvar un poco mi culpa por no escribir mucho. O estoy escuchando menos música o cada vez soy más hincha pelotas para elegir un disco, porque la verdad es que no escribo porque me cuesta cada vez más encontrar qué recomendar (acordate que lo único que hago acá es recomendar, no criticar). Lo bueno de eso es que, lo que finalmente recomiendo, debe ser totalmente genial. Bueno, eso supongo.

Ahi voy con una seguidilla de discos que estuve escuchando mucho: Bat For Lashes, Camera Obscura, Elisa, Johnny Hallyday, Pitty, Sarah Slean y Tilly And The Wall. Y lamento que el disco de Marina And The Diamonds no haya salido todavía porque me muero por recomendarlo.

A propósito, a excepción de Johnny Hallyday, todos los artistas que mencioné tienen voces femeninas. Curioso. Casualidad? Tengo una fijación? Las mujeres hacen mejor música? Procederé a investigar.

Y de pronto, contra todo pronóstico desalentador, graban Sonic Boom. A ver, no se trata del mejor disco de Kiss ni mucho menos, pero es lo mejor que han grabado desde Lick It Up, es decir… 26 años! Los viejos Simmons y Stanley, junto a los dudosos pero musicalmente efectivos Singer y Thayer, se las han arreglado para agregar unos cuantos temas que tranquilamente pueden integrar lo mejor del repertorio de Kiss. Y lo hicieron sin ningún vestigio de modernidad. No hay teclados como a fines de los 80s, no hay nada del rock moderno, simplemente retomaron el sonido de 1975-77 y algo de 1982-83 (Creatures Of The Night y Lick It Up). Y además, hay canciones realmente buenas. “I’m An Animal” suena como una locomotora, “Modern Day Delilah” tiene un riff perfecto y aplastante. Las canciones más melódicas como “Stand” están muy bien, no son relleno, están bien escritas.

A la luz de lo que ha sido Kiss en los 80s y 90s, Sonic Boom es un triunfo. En serio, ni en mis mejores sueños se me cruzó la posibilidad de volver a disfrutar de un disco nuevo de Kiss. Los viejos comerciantes todavía tienen un par de trucos para devolver dignidad a su gran historia.

Para describirlos, son alemanes y hacen música medieval con instrumentos antiguos, principalmente gaitas y bombos. Pero esa descripción, sin bien es cierta, no alcanza para nada. Si ven algún video, van a notar que el público es una mezcla de metalheads y góticos. ¿Esos pibes escuchando gaitas y bombos? Lo que sucede es que el sonido de Corvus Corax, aún ateníendose a instrumentos tradicionales, totalmente desenchufados obviamente, es de una violencia inusitada. Es básicamente death metal al estilo medieval. Qué duda cabe de que los verdaderos medievales tocaban a lo bestia, en ese sentido la actitud de esta banda no es moderna sino todo lo contrario.

Una verdadera locura. Gaudia Vite es en vivo y te va a partir el culo. Escuchá este par de temas y también miralos en vivo:

Las Cuatro Estaciones es una obra demasiado grande para ser descripta, basta decir que si esto no te mueve el alma, estás muerto.

En Simon And Me, su tercer disco, Laleh se pone más rimbombante que nunca. Coros angelicales, cuerdas de orquesta, y su voz quebradiza a modo de batuta de una sinfonía sencilla y directa. Laleh tiene sólo 26 años, realmente poco para crear música tan exquisita, más teniendo en cuenta que sus discos anteriores son tan geniales como este. Escuchala varias veces, sus canciones crecen y se enriquecen a medida que pasa el tiempo.

Hedlund – Vintersorg siempre ha sido el tipo a seguir cuando se trata de encontrar la versión más depurada y las mejores composiciones del género. Solens Rötter es un disco excelente, trabajado obsesivamente, con la actualidad que brinda hacer bien las cosas que en manos de otros podrían sonar repetitivas y viejas. Un auténtico Vintersorg por donde se lo mire.

Death Magnetic es sencillamente un disco excelente. No es mejor que Master Of Puppets pero es increíble que estos tipos hayan vuelto a sonar de este modo. La fórmula es la misma que antes, ahi no hay nada nuevo, de hecho en el disco casi no suena nada que no sea bajo, guitarra y batería. Pero hay una especie de inyección de vida, muy buenas nuevas canciones, geniales riffs y ni un segundo de relleno ni de paz.

Ahora sólo falta que no les joda que te lo bajes gratis y cartón lleno.

Amar, Temer, Partir es la crónica de una traición, de una metida de cuernos de las alevosas digamos, narrada con tanta violencia que desespera. Hace pocos días, Gabo tocó el disco entero en el ND/Ateneo. De por sí ya me había parecido su disco más hardcore, cosa que quedó explicada cuando contó mínimamente la historia detrás de estas canciones catárticas. Quién sea que haya cagado a Gabo merece la muerte por su hijaputez. Y luego la resurrección, porque su mierda terminó hecha la más bella música. Gabo tocó todas esas canciones solito con su guitarra, de igual modo y en vivo fue grabado el disco (con mi amigo Pablo nos quedamos afuera de ese recital y terminamos comiendo una pizza del orto). Está claro que así deben ser cantadas, en pelotas y a los gritos. La obra más dura, majestuosa e imperdible del enorme Gabo Ferro.

Fernando Cabrera desarma. Desarma su voz, sus instrumentos, sus melodías y desarma la resistencia de quien escucha. Y también desarma lo que siente, porque el tipo tiene una poesía al mismo tiempo exquisita, austera y sincera. Sus canciones piden ser escuchadas muchas veces, luego de lo cual se vuelven decididamente deliciosas, todas y cada una de ellas. Al menos en Bardo, son canciones que andan en los 2 minutos: Cabrera ni siquiera cae en el pecado de reconocerse brillante y estirar sus grandes ideas más allá de lo suficiente para que queden claras. Hay canciones como “Dulzura distante” que son tan breves y tan brillantes que realmente no queda otra que apretar repeat y volver a emocionarse y a intentar comprender cómo carajo lo hace. Sólo él lo sabe. Pero con tanto talento, sensibilidad, deseo y obsesión todo es posible.

• Deshacerme de los templates de Dreamweaver y pasarme a Zend Studio con un sistema de templates custom.
• Reordenar la estructura de la base de datos.
• Reprogramar todo el código del sitio, en particular ahora usando OOP en PHP.
• “Googleizar” las URLs. Google es simpático para buscar pero su concepto de lo que significa un site “bien hecho” es totalmente arbitrario. Pero es el buscador de facto, así que hay que joderse y meter mano al URL Rewriting si es que uno quiere aparecer ahí.
• Reestructurar la sección música. Básicamente eliminé el concepto de separar todo por meses, ahora es más simple, una lista paginada de todos los artículos más un resumen de los artículos que sean comentarios de discos.
• Eliminar, creo que para siempre, mis viejas secciones de audio y video. No tengo mucho que aportar que no se encuentre fácilmente en sitios dedicados al tema.

Espero que todo funcione bien. Ahora a seguir con los discos, que es el único motivo por el que este sitio existe desde hace más de 7 años!

Y escribir! Tengo unos cuántos discos para agregar, entre ellos el de Gabo obviamente.

En fin. Me escribo entonces a mi mismo y me digo que este año apuesto por 3 cantantes, quizás en el siguiente orden: L’Aura, Mietta y Amedeo Minghi.

Volví entonces a escuchar una vez más este disco. Es un clásico y no necesita demasiada presentación, pero siempre hay quien no lo escuchó o directamente no está al tanto de Jean Michel Jarre.

Vale entonces decir que Oxygene es una obra maestra de la música electrónica y de la música, simplemente. Por un lado, la era de los sintetizadores análogos es fascinante, para quien gusta investigar sobre tecnología. Era un genial momento, de estos aparatos salían sonidos que simplemente no existían, que no tienen comparación con instrumentos tradicionales y ni siquiera con sonidos de la naturaleza. Jarre no fue el primero en entender la potencialidad de semejante novedad, pero es uno de los grandes maestros de la manipulación de la tecnología al servicio del arte, de la melodía en este caso. Porque, por el otro lado, el tipo además de visionario es un gran compositor. Oxygene (y su sucesor Equinoxe, también imperdible) es excelente música, que posee la frialdad de la tecnología y la calidez del ser humano que la utiliza.

Teniendo en cuenta que estamos a 32 años de su edición y todo lo que ha pasado con la tecnología en la música durante estos años, es conmovedor notar que Oxygene no sufre el paso del tiempo. Son sonidos demasiado lejanos como para estar atados a algo tan terrenal como el envejecimiento y melodías demasiado cercanas como para dejar de cautivar.

Mi debilidad por ellos cae particularmente en este, su primer disco. Es bastante único, porque los Bowery nunca repitieron esta instrumentación: guitarra, bajo, batería. En sus otros discos pasaron a la electrónica, aunque jamás dejaron de crear el mismo clima: un drone apocalíptico, repetitivo, hipnótico. Ambient, noise, shoegazing, un bajo del que Peter Hook estaría orgulloso… sirve para que me entiendas, pero si los escuchás vas a descubrir a una de las bandas más brillantes de la década del 90.

Al terminar, Bowery Electric -el disco- deja la sensación de que estuviste escuchando una misma nota durante 50 minutos. La magia de estos músicos armados de muchas notas y un cuidadísimo sistema de capas de sonido logra ese efecto que, lejos de sonar monótono, resulta apasionante. Una sola nota si, pero una nota perfecta.

Una vez más, la edición de un nuevo disco del gran Adriano es un suceso al que se le debe prestar atención. Desde la clásica canción romántica hasta la experimentación imprevisible, Celentano lo domina todo. Su voz está impecable y a través del tiempo gana en presencia, en contundencia. El hombre pronuncia una sílaba y automáticamente todo lo demás calla. A escucharlo entonces, porque es un artista invaluable y un ejemplo de independencia (desde prácticamente el inicio de su carrera edita a través de su propio sello).

Viejos son los trapos y los que mueren jóvenes.

Las canciones de “Mañana no debe seguir siendo esto” continúan definiendo la carrera de uno de los artistas más brillantes de todos los tiempos. Gabo es la poesía, es la música, es la voz, es la canción. Es.

¿Exagero? Creeme, no.

De algún modo no estoy demasiado confiado de que su próximo disco de estudio sea tan grandioso como Colour, quizás porque ese fue un momento demasiado único. Mientras tanto, estas versiones de sus canciones anteriores son hermosísimas y sólo logran que uno se muera de ganas de ver a esta mujer en vivo.

A más de 14 años de su primer disco, Sigh es una de las pocas bandas que todavía enferma de alegría a quien busca lo inesperado. Y ni siquiera son de Europa, quizás esto haya terminado siendo una ventaja.

Estos japoneses, a quienes muchos llaman “maestros” porque los japoneses que son buenos en algo son llamados así, son realmente maestros porque conocen tanto los yeites del metal que lo mastican, se ríen de sus entrañas y lo regurgitan misteriosamente cambiado, como el gato de Pet Cemetery. Es decir, es metal pero no, es más bien un metal zombie (esto debería patentarlo). Muerto el metal, Sigh abre su tumba y lo hace volver a caminar, pero con cuerdas como un títere. El resultado, una vez más, es una obra maestra de cómo caminar en la corniza sin peligro de caerse, de cómo ser algo sin serlo, de cómo ser una gran mentira tan cierta como la verdad.

Si todo el pop radiable y de consumo masivo tuviera la calidad de la música de Melanie, estaríamos salvados (bueno no es para tanto, pero se entiende). Probablemente sus discos no sean obras maestras, pero realmente da placer escuchar su preciosa voz en el marco de canciones amables y lindas, simplemente muy lindas.

This Time es un disco que se puede escuchar sin compromisos, está hecho para ser hermoso y disfrutable – y lo logra con honores.

Nick Cave y varios de los músicos de The Bad Seeds se re bautizaron para escupir un rock tan sucio que duelen las encías. Estos tipos ya la tenían atada desde hace años y ahora se mandan un disco así… toda descripción sólo puede ser mínima y parcial. La música de Grinderman es frenética, misteriosa, enorme, salvaje, magistral. Se trata de escucharlos y aún así no entender cómo lo logran. Anótenlo como una de las obras maestras del 2007.

Sólo en pequeñas partes este disco muestra el paso del tiempo; por lo general sigue sonando a la vez filoso y ensoñador como siempre. Tanya siempre tuvo un perfil bastante más experimental que sus compañeros de época como los Pixies, Throwing Muses o The Breeders (todas bandas con muchas cosas en común) y en Star lo empieza a explotar desde la libertad de ser quien manda. Es un disco muy variado: rockero, hitero, suave y extraño pero, por sobre todo, notablemente hermoso.

Sucede que es muy difícil saber qué esperar de un disco de Battiato. El loco es tan extremo que no para de modificar su música, contra su voz totalmente simple y convencional gira un mundo de sonido totalmente fuera de lo común, en el que puede mezclar electrónica antigua y moderna, guitarras distorsionadas, cuerdas clásicas, coros, idiomas, estilos, lo que sea. Así, con su cara de gil, Battiato es una mente totalmente anárquica, libre de preconceptos. Su música no es de una sola manera, es de todas. Y ni siquiera se queda sólo con la música, también usa -porque todo lo que toca se convierte en sus herramientas- el cine y la pintura.

En ese imparable experimento que empezó hace décadas, es posible encontrarse con momentos musicales realmente sublimes. No vale la pena describirlo más en detalle, que valga esta pequeña introducción para quien todavía no lo conoce.

En su segundo disco, Hamacas Al Rio logra recrear la delicia que es su música en vivo. La voz de Laura -quien canta cada día con una dulzura y un timbre cada vez más maravilloso, aunque a ella le cueste creerlo- quedó por fin registrada con la delicada crudeza que tiene en la realidad. Los músicos suenan atentos, despiertos, haciendo que la belleza de canciones como Final De Fiebre o Ciego brille, deslumbre.

Lo único que se me ocurre en este momento, mientras Mitad De Junio está sonando, es que por fin puedo disfrutar de estar rodeado por estas canciones cada vez que las necesito.

Hace unos 20 años Charlotte grabó un disco cantando canciones de su padre Serge y uno no puede sino preguntarse por qué esperó tanto para grabar otra vez. O quizás esa espera sea uno de los motivos por los cuales este disco sea así como es, delicioso y triste, suave y contenido, para que lo escuches con una sábana encima, cual fantasma escondido.

Alrededor del año 1997 volví a revolver el metal, a partir de escuchar “In Motion II” de The Gathering en la radio, viajando en el bondi, eso me dejó totalmente paralizado (el Ruso Verea no me cae demasiado bien pero por haber pasado esa canción le puedo perdonar todo) y de ahí en más me pasé unos 5 años consumiendo puro metal. Ahora no escucho tanto pero de esa época me quedan algunas bandas que pasaron a integrar mi Top no se cuanto. Y Anathema está ahí arriba junto a la música que más adoro y necesito. La combinación de “Shroud of false” y “Fragile dreams”, que abren Alternative 4, es uno de los momentos más salvajemente emocionantes de la historia de la música. Así abrió el segundo recital y creeme que no se puede creer.

“We are just a moment in time, a blink of an eye, a dream for the blind…  visions from a dying brain…  I hope you don’t understand”.

(y todavía tengo que prender el scanner así pongo las entradas)

“A mediados del siglo XIX Marx y Engels advierten los efectos demoledores que las leyes del mercado moderno y la producción capitalista ejercen sobre la cultura, asemejándolos a un fluído que intoxica todo lo que alguna vez resultó firme. Esto sólido tiene espacio y tiempo, tiene historia. Lo líquido es inestable, no se compromete al espacio ni al tiempo.
Para hacer música en algún momento se necesitó al músico, a la mejor melodía que pudiera crearse y a la mejor letra que pudiera escribirse. Hoy, en general, estos elementos ya no son indispensables para que se conforme un repertorio ni se haga un disco.
¿Qué nos hizo perder de vista que – si bien las acompañan más o menos sinceramente dependiendo de cada caso – la imaginería, las agencias, los medios masivos de difusión y comunicación, los productores full time, los diseños gráficos, los sponsors y las compañías discográficas hacen los discos pero no las canciones? ¿Por qué algunos músicos se representan en imágenes antes de imaginarse su mejor canción? ¿Qué nos lleva a pensar en fotografías o en dibujos como una cuestión obligatoria para un disco?
Se ha establecido un patrón de producción que apunta a instalar por un determinado período de tiempo un solo arte, una sola imagen plástica, una sola música, en definitiva, una sola canción que, lejos de resultar democratizante, resulta anuladora de identidades.
Que no se confunda lo fundamental con lo accesorio. Un disco son canciones; un disco es música. Lo demás es agua que se evapora en el aire.”

Una banda que tiene el desparpajo de hacer chocar una canción que dice “Y si el sol está nublado o despejado me da exactamente igual, eu tem coco loco y ananá” (Día Nublado) con otra que dice “Desprendida de la luz, hoy no van a distinguirme. Sigo dando vueltas-giros, sin esperar nada más” (Guelats) y hacerte reír para al rato hacerte temblar. Eso es Doris, una banda excepcional – por lo fuera de lo común y por su aplastante calidad.

Además, en Achacandá volvieron a prender la distorsión de a ratos y recuperar un poco del sonido de su primer disco. Es así que salen con clásicos instantáneos como “La Vela” y “Le Bon Vivant” – porque como si todo lo que dije antes fuera poco, además los Doris suenan de puta madre y te hacen volar la cabeza.

Me cuesta mucho describirlos, compré Achacandá hace 3 días y lo escuché unas 20 veces y cada vez me parece más genial. Achacandá te absorbe, cuando le encontrás el gusto no querés escuchar otra cosa.

Tres discos magistrales al hilo es mucho, realmente mucho. Doris es una banda notable y saben evitar el peligro de encerrarse en si mismos. Sencillamente, son de otro planeta.

Yes, Virginia… es un disco de canciones, de las mejores. Cada vez me cuesta más escuchar música demasiado adornada, me siguen gustando esas cosas pero cada vez tengo más necesidad de dar con músicos capaces de quitarle a la música todo lo que le sobra y desnudarla y sorprender redescubriendo lo que nunca debió perder. En ese sentido, llama la atención que los tres únicos instrumentos utilizados por The Dresden Dolls (voz, piano, batería) parezcan incluso excesivos y grandilocuentes. La fórmula de la buena música se puede describir de manera simple pero, a la vista de los pocos que logran ponerla en práctica, esa simpleza es sólo un engaño. Del mismo modo podría describir a The Dresden Dolls: grandes canciones y urgencia, mucha urgencia.

Ya encontré uno de los discos del año.

Si llega a tocar en tu país, por favor no te la pierdas, es extraordinaria.

De a ratitos van a pareciendo mechados algunos mensajes dejados en el contestador del mismo Alvarez. Esas breves grabaciones suenan a veces melancólicas, a veces frias y laborales y a veces estallan de ternura como en el mensaje de su hijita que le hace un par de preguntas importantes y le regala una canción. “Me siento bárbara, me siento feliz, me siento bien… muy bien” le dice una mujer en “Bailarina anarquista” y más allá de lo que ese mensaje signifique para esa mujer, se me ocurre que su frase es una manera bastante certera de describir lo que provoca este disco. Sin embargo, Música Para Contestadores no es necesariamente música cómoda, quizás el gran logro de Alvarez sea, aún así, haber creado un lugar en el que la incomodidad es un valor a perseguir.

Sergio Alvarez es el gran guitarrista de la gran banda argentina Panza. Escuchar este disco, no sólo en gran parte electrónico sino además de un carácter completamente distinto al de Panza, sólo confirma que Alvarez es un gran músico con unas cuantas cosas para decir.

Okumuki despega y vuela alto hasta convertirse en un disco construído de manera obsesiva y desbordante de lujos y sutilezas. Los caminos de sus melodías son bellos pero complicados, se abren en un árbol de caminos que hay que seguir con atención. La voz de L’Aura es de una dulzura extrema, se quiebra con dolor, parece llorar, cantar acurrucada en un rincón y si cerrás los ojos para parpadear, al abrirlo seguramente la encuentres de pie. Sus canciones cambian de ritmo y aspecto de manera brutal (Piove es un ejemplo perfecto), igual que tu ánimo mientras las escuchás.

Todo mal pero muy mal con que hayan rajado a Gianluca en la primera vuelta. En especial cuando las otras canciones de la categoría Uomini apestan mal.

Al menos se viene un gran triunfo para Dolcenera, esa chica tiene el don, no puede parar de componer y cantar siempre mejor de lo que uno espera de ella. Parece haber sido hecha para 3 voltios y haberse encajado una batería de 9 voltios en el culo. Los resultados de semejante overclocking son sencillamente maravillosos, Dolcenera canta dos palabras y automáticamente la adorás, la querés seguir escuchando siempre.

De la categoría Giovani me gustó mucho L’Aura… espero que gane. Algo curioso es que es la primera vez que escucho a una cantante con serias influencias de Elisa. El estilo de Elisa da para mucho, si la piba lo sabe aprovechar puede hacer música fantástica. Estoy viendo si consigo Okumuki, su primer disco.

En Pueblos En Armas todavía cantaba Roxana Amed y su maravilloso registro (a veces parece que el disco tiene dos cantantes) hace brillar a algunas de las canciones más hermosas que se hayan grabado en este país. El disco tiene sus baches, pero sus mejores momentos (Almas Encadenadas, Tiempos de Destrucción, Canción de Crisis, Exilio) son excepcionales, a pesar de que todo suena muy a demo y de que deja la sensación que de esas canciones y de esos músicos podría salir aún más.

Eso si, tiempo para el pelotudeo siempre tengo. Inauguro la nueva funcionalidad a medida de mikele.org: ahora, para suavizar el tedio de mis ambiciosos comentarios, podés elegir el color del logo que mejor combine con tu ropa.